 ПОЗНАВАТЕЛЬНОЕ Сила воли ведет к действию, а позитивные действия формируют позитивное отношение Как определить диапазон голоса - ваш вокал Игровые автоматы с быстрым выводом Как самому избавиться от обидчивости Противоречивые взгляды на качества, присущие мужчинам Вкуснейший "Салат из свеклы с чесноком" Натюрморт и его изобразительные возможности Применение, как принимать мумие? Мумие для волос, лица, при переломах, при кровотечении и т.д. Как научиться брать на себя ответственность Зачем нужны границы в отношениях с детьми? Световозвращающие элементы на детской одежде Как победить свой возраст? Восемь уникальных способов, которые помогут достичь долголетия Классификация ожирения по ИМТ (ВОЗ) Глава 3. Завет мужчины с женщиной
Оси и плоскости тела человека - Тело человека состоит из определенных топографических частей и участков, в которых расположены органы, мышцы, сосуды, нервы и т.д.
| Духовность формируется с детства 6 страница
Огромное впечатление произвела на меня “Снегурочка” (постановка И. Лапицкого, дирижер А. Пазовский). Зоя Гайдай пела Снегурочку, Оксана Петрусенко — Купаву. Созданный Оксаной Андреевной сценический образ Купавы и сегодня для меня является примером глубокого проникновения в духовный мир героини. В ее Купаве органично соединилась женская хитрость с наивностью и непосредственностью. С царем Берендеем Купава — Петрусенко вела себя смело и уверенно. Благодаря выразительным музыкальным краскам она сумела правдиво донести этот образ до слушателей, и они заслуженно оценили высокое мастерство певицы. Как удалось Оксане Петрусенко создать такой неповторимый образ? Мне кажется, что в искусстве есть явления, которые нельзя передать языком цифр, сравнений, так же как нельзя описать словами запах цветка, звучание рояля, пение — каждый воспринимает это по-своему. Так и Петрусенко в партии Купавы: вся она — искренний сознательный обман Берендея. Исполнительница и сама в этот момент верит, что ее обидели, потому что Лель дал обещание и должен на ней жениться. Сначала глянув, кто ее может подхватить, она тут же теряет сознание: падает статично, то есть так, как ей кажется, теряют сознание люди в подобных обстоятельствах — ноги не подкашиваются, а вся фигура грациозно падает. Ее Купава такая догадливая, что, когда наступает момент падать, она находит время посмотреть — куда. При этом тембр ее голоса выражает напускное фарисейство и патетику. Чтобы постичь и дать на сцене такой филигранно отточенный образ, необходимо много знать, долго готовиться, а если это режиссерский замысел, то надо уметь его так блестяще воплотить. Петрусенко была от природы многогранной натурой. Она поражала своей наблюдательностью, любознательностью и одновременно детской простодушностью, целомудрием. Например, такую легкомысленную песню, как “Гандзя”, она пела с таким чувством чистоты и непорочности, как человек, который, признавшись в любви, не замечает своей чувственности. Оксана Петрусенко ушла из жизни, только начав свой творческий путь. И нам нужно низко поклониться людям, которые пробудили в ней любовь к искусству. Я имею в виду корифеев украинского театра — Марию Константиновну Заньковецкую, Панаса Карповича Саксаганского, Миколу Карповича Садовского, Ивана Александровича Марьяненко. Пение ее и сегодня очаровывает нас. Некоторые молодые певицы даже пытаются копировать Петрусенко. Это делать не следует. Ей было присуще специфическое звуковедение: она пела в высоком регистре почти оголенным звуком, который в то же время звучал красиво. Следует ли считать, что это та школа, которую нужно наследовать? Могу ответить, что одной, единой для всех школы в искусстве не должно быть. Если бы на небе светилась только одна звезда, не скучно ли было бы смотреть на нее все время? Или представим себе плантации только роз — вряд ли радостно смотреть на них. Богатство красок создает ту гармонию, которая приносит нам наслаждение. Значит, природа мудро поступила, создав, подобно цветам, огромное разнообразие талантов — иначе мы бы не различали их, не запоминали. К сожалению, будущие поколения не смогут по-настоящему представить себе характер артистической одаренности Оксаны Петрусенко. Мы же, кто знал и слышал талантливую актрису, увлекались ее голосом и сценической игрой. Рано ушла она от нас, но еще Чехов говорил, что когда мы даже умираем, то так или иначе продолжаем принимать участие в жизни. И Оксана Петрусенко тоже не ушла из нашей духовной жизни. Думаю, ее будут вспоминать долго-долго, и образ ее будет притягательным как для музыковедов, так и для поклонников вокального искусства. 1980
Марк Рейзен ...Сезон 1923/24 года. Харьков. Высокий, тонкий, в студенческой фуражке, Рейзен шагает вне ритма по Рымарской улице в сторону оперного театра. Бог дал ему хороший шаг, и идущие рядом с ним шли всегда в “синкопированном ритме”. И тогда он, отвечая на их вопросы, останавливался. Идти и беседовать одновременно не в его характере. В этом видно его отношение к делу. Таков он и сейчас — суетности не терпит. В юности Рейзен был окружен в театре требовательной любовью друзей — режиссера Альтшуллера, дирижеров Пазовского, Палицына. Пел он многое тогда, и жизнь подтвердила истину: следует петь многое, но не явно угрожающее. Не следует петь большие, тяжелые партии, не укрепившись, а главное, не отделавши их в вокальном и сценическом плане. Помню наши совместные выступления в “Тангейзере”, в “Гальке”, в “Онегине”. Среди басов в составе труппы тогда были Донец, Серебряков, Цесевич; среди теноров — Кипоренко-Даманский, Сабинин, Синицкий. С какой трепетностью называю я имена этих людей, столь много сделавших в искусстве. Если скажете “в искусстве того времени”, то ошибетесь: не будь их в то время, не было бы сегодня хороших артистов, так как по книгам научиться петь невозможно. ...Ценное качество для театра, когда артист не строит своего благополучия за счет других. За сорок лет не помню реплики в адрес Рейзена, что он “перебежал дорогу”, “забрал ту или иную партию”, “поет, а другим не дает”. ...Обидно, что не в полную меру артист может отдать все, что ему дала природа, что он познал, чему научился. И Пирогов и Рейзен были лишены возможности выступить, к примеру, в “Дон Карлосе”, а ведь состав труппы и ее возможности были не меньше, чем сейчас. И вот ныне изредка идет этот же спектакль, но без участия того выдающегося артиста, который так стремился спеть партию Филиппа. Для Рейзена и сегодня это не поздно. Причины этого легко устранимы при общем условии: руководству надо любить театр, а не себя в нем! Голованов был сдержан во взаимоотношениях с Рейзеном. Но когда нужен был Рейзен для “Хованщины”, этот “властелин”, “подавляющий дирижер” сам пошел к нему домой и убедил. Договорились, и Рейзен блистательно пел Досифея. К чести Голованова следует сказать, что во имя дела он так же поступал и по отношению к другим артистам. Директор или художественный руководитель в театре должен помнить, что “удобный” ему артист чаще всего бывает “неудобен” для публики. А если он любит искусство, то должен думать прежде всего о тех, кому оно служит. Артист не может быть в “простое” — это ущерб для театра, для искусства, а если и бывает, то причин тому много, и они подчас невидимы и иной раз непонятны даже тем, кто мог бы их устранить. Артист должен больше быть на сцене, в оперном классе, чем на заседании и в кабинете руководителя... И вот Марк Рейзен провел большее время своей жизни у рояля и на сцене. Рейзен немного сделал для кино, но не его в том вина, а равнодушие иных тому причина. К тому же он никогда не был излишне сговорчивым. Но в результате недополучило наше искусство. И тем, кто его любит и от кого зависит его расцвет, сегодня же надлежит взять все возможное от Рейзена-художника. Народу польза, а певцу — духовное удовлетворение. 1965 * * * Сегодня взор общественного внимания прикован к выдающемуся явлению в искусстве — Марку Осиповичу Рейзену. Визитная карточка — стаж его работы. Трудятся все, но важно качество. В опере главнейшее — это пение, а оно у Марка Осиповича прекрасное. Петь он начал в семейном хоре. Призывают в армию — воевал в первую мировую, получил два Георгия — пел и там, в сырых окопах. От ухарства, от крикливости певческой (“А я, мол, сильнее”) его словно охраняла таинственная сила. И вот то звуковедение сохранилось и торжествует по сей день у Рейзена. Если вы услышите его поющим, то убедитесь в этом. Легок ли его путь в жизни? Нет. Взаимопонимание, вера и доверие — это важно вообще, а в искусстве без этого жить невозможно. И часто много сил уходит на ненужное, как оказывается позднее. Это сдерживает ритм исканий и утверждений. А все недопетое, что представляло бы высочайшую ценность в искусстве,— кому представить счет, что это не состоялось? К примеру, Дон Карлос в исполнении Рейзена. Об этом надо помнить не только в юбилейный день, но и для грядущего. Бывает много неожиданностей и случайностей у всех, но в искусстве их больше, и переживаются они острее. И общество, которому служит артист, принимает как должное содеянное им. Но какие же нужны выдержанность, спокойствие, чтобы нести на высоком уровне бессмертные творения непреходящей ценности. Да сохранятся его дни надолго, они сегодня и завтра будут излучать творческий труд певца Марка Рейзена. 1985
Поль Робсон Встречи с Полем Робсоном всегда производили на меня огромное впечатление. Помню один из дружеских вечеров в Москве. Сидя у рояля, я напевал “Солнце низенько”. Видимо, обаяние украинской музыки пленило Робсона. Неожиданно в терцию, сначала робко, затем тверже, с увлечением зазвучал его голос. Кругом все смолкли. Мы быстро спелись. И вскоре наш дуэт звучал уже вполне уверенно. Поль Робсон пел по-украински, и я дивился той легкости, той восприимчивости, с которой он почти мгновенно уловил поэтический и мелодический рисунок украинской песни. Вдохновенный певец, он с особой чуткостью воспринимает музыку, рожденную народом, где бы этот народ ни жил: на Миссисипи или на Днепре. Я понял, что между этим маленьким эпизодом и всей творческой жизнью Робсона, певца и борца, существует внутренняя связь. Глубокая любовь к народу диктует Полю Робсону ту страстность и настойчивость, с которой он борется за интересы трудящихся, за мир. В один из приездов Робсона мы разговорились с ним о некоторых творческих проблемах. Речь зашла о возможном участии Поля Робсона в спектакле “Отелло”, шедшем в одном из московских театров. Робсон сказал, что он трактует образ Отелло так же, как и знаменитый негритянский трагик Олдридж, дочь которого во время своих занятий с Робсоном рассказала ему о мастерстве своего отца и о том, как он понимал шекспировского Отелло. В свое время Олдридж обменялся портретами с Тарасом Шевченко, с которым он был связан искренней дружбой. Встретившись в Петербурге, долго молча стояли, обнявшись, украинский поэт и негритянский актер. Они были очень взволнованы. Однажды я приветствовал Поля Робсона от имени работников искусств. После приветствий, рукопожатий и взаимных объятий мы исполнили дуэтом в октаву известную народную песню “Ах ты, ноченька”. Эта песня в нашем исполнении была записана на пленку, и теперь ее можно услышать по радио. Во время одного из приемов в ВОКСе мы засиделись до рассвета. Были открыты окна. Робсон пел, и голос его был слышен на улице. Певец подошел к окну, его встретили цветами и громкими приветственными возгласами. Робсон, принимая цветы, улыбался и в знак благодарности тоже бросал цветы своим слушателям. Эта случайная аудитория — прохожие, дворники да влюбленные, встречавшие рассвет в уютном московском сквере,— восторженно слушала замечательного певца. Мы видели, как в Парке культуры имени Горького тридцать тысяч зрителей, затаив дыхание, с любовью и огромной признательностью слушали негритянского певца. Вспоминая Поля Робсона в день его шестидесятилетия, вновь понимаешь, какие высокие качества человека и гражданина воплотились в этом замечательном артисте. Робсон — боец в искусстве и в жизни. Искусство его — это искусство певца-трибуна, политического борца. 1958
Леонид Собинов Можно много и долго говорить об известной эпохе в вокальном искусстве, но можно сказать всего одно лишь слово, которое определяет эту эпоху. Слово это — Собинов. Великий, вдохновенный артист, в благородном облике которого в гармоническом единстве слились черты певца, музыканта и гражданина, оказал большое влияние на все наше оперное искусство. Вот почему с такой теплотой и благодарностью чтут память Леонида Витальевича Собинова. Казалось бы, писать о певце, который уже не поет и давно отзвучал, затруднительно. Ведь даже самая совершенная запись на пластинке не дает подлинного звучания, и именно того, в котором воспринимаешь ж и в у ю мысль. Невозможно воспроизвести сейчас то подлинное, неповторимое, что было в звучании Л. В. Собинова. Что же остается в таком случае от певца? Остается его огромный вдохновенный труд, отданный на обогащение русской и мировой вокальной культуры. Остается высокая вокальная культура, накапливаемая и приумноженная последующими поколениями. И в сегодняшнем сценическом и вокальном звучании есть доля труда наших предшественников, есть труд Леонида Витальевича Собинова. Известно, что Собинов готовил себя к адвокатской деятельности, но она оказалась ему не по душе. Леонид Витальевич целиком посвятил себя любимому делу — искусству. Он писал по этому поводу: “Музыка и драма — вот вся жизнь, и, ей-богу, я не стал от этого глупее. Напротив, как будто многое в жизни становится яснее, все проще, а искусство, развивая эстетическую сторону, сделает и меня как-то чище”. Леонид Витальевич Собинов родился 7 июня 1872 года в городе Ярославле. Дед его был вначале крепостным, а впоследствии откупился на волю. Собинов в детстве пел в церковном гимназическом хоре, затем, учась в Московском университете, выступал в студенческих хорах. Девятнадцатилетним юношей он в первый раз выступил на сцене в украинской труппе Заньковецкой и Садовского. Украина издавна являлась неисчерпаемым источником, дающим хорошие голоса, и естественно, Собинова привлекали музыкальная атмосфера, хорошее пение, каким отличался украинский творческий коллектив. В 1897 году певец вступил в труппу Московского Большого театра, где он вдохновенно работал до конца своих дней. Интонационное, вернее чистое, звучание имеет свои истоки, свои корни. Их Леонид Витальевич определял так: “Пение в хоре считаю главным фактором моего вокального и музыкального развития”. В его творчестве всегда преобладал оптимизм. Эта радость творчества с необыкновенной силой воплотилась в его огромном репертуаре лирического тенора — в опере, камерных концертах,— искусстве, в котором Собинов оставил глубокий след. Общение Леонида Витальевича с такими выдающимися музыкантами и музыкальными деятелями, как Кюи, Танеев, Глазунов, Рахманинов, Аренский, Ипполитов-Иванов, Глиэр, Сук, Лосский, Сахновский, его участие в керзинском кружке “любителей русской музыки”, его встречи с писателями Максимом Горьким, Л. Андреевым, Н. Телешовым, А. Серафимовичем, В. Вересаевым, поэтами А. Блоком, В. Брюсовым, С. Есениным, С. Городецким, В. Каменским, с художниками К. Коровиным, М. Нестеровым, Ф. Федоровским — все это не было случайным. Многочисленные встречи и беседы, горячие споры об искусстве, литературе не проходили бесследно для певца; они помогали решать ряд творческих проблем. В раннем периоде своей артистической деятельности Собинов неоднократно бывал за границей (Мадрид, Милан, Париж, Берлин), где встречался с крупными представителями музыкального и вокального искусства. Но он всегда оставался русским певцом-художником, сохраняя во всех выступлениях свой неповторимый индивидуальный артистический облик. Выступления Собинова на сценах европейских театров явились триумфом русского искусства. Собинов дорог, понятен и близок советским людям не только как артист и художник, но и как гражданин-патриот. Слова: “искусству и общественности надо служить одинаково разумением и восхищением” — были его лозунгом, его девизом. Собинов с огромным вниманием растил кадры молодых артистов, молодых певцов, помогал молодежи, стремящейся к овладению науками. Доброжелательность, стремление быть максимально полезным для подрастающего поколения, его исключительная отзывчивость — эти качества Л. В. Собинова ощутили многие из отзвучавших и ныне поющих. Известно, например, что на личные средства Собинова существовала до революции студенческая столовая. Ежегодно он устраивал концерты в пользу студенчества. Немало одаренных юношей получили при материальной поддержке Собинова образование. Вспоминается, как на одном из вечеров врач И. И. Мохов, приветствуя Леонида Витальевича, сказал: — Я один из тех, а таких, как я, не мало, которые знают, как много вы сделали своим трудом, своими вкладами, своей помощью для студентов. Леонид Витальевич радостно и восторженно встретил победу Великой Октябрьской социалистической революции. Советский народ оказал замечательному певцу-патриоту большое доверие, избрав его депутатом в Московский Совет. В первые годы советской власти Л. В. Собинов был назначен директором Большого театра. Он завоевал любовь окружающих, сплотил и поднял на большую творческую высоту талантливый коллектив. В 1934 году Собинов стал одним из руководителей Театра им. К. С. Станиславского. Духовный облик Леонида Витальевича более многогранен и глубок, чем имеющееся в нашей искусствоведческой литературе его изображение. Некоторые авторы стараются представить Л. В. Собинова каким-то “неповторимым херувимом”, прирожденным счастливцем, баловнем судьбы. Одно верно — Собинов неповторим: два листа не могут быть совершенно похожими друг на друга. Но это не означает, что дерево не растет и расти не будет. Культура вообще, а вокальная в частности, — преемственна, и в наших трудах есть труды наших предшественников. Нельзя Л. В. Собинова отображать только в прошедшем, не отобразив связи его творчества с настоящим, с современностью. Самым правильным и совершенно необходимым для будущего поколения является продление, вернее утверждение, творческой жизни давно ушедших. Оно может быть достигнуто только всесторонним освещением творческого пути с его тернистыми дорогами, радостями, печалями, в данном случае творческого пути Л. В. Собинова, принесшего великую пользу Родине, которую он так горячо любил и верным сыном которой он был. “Не долог срок на земле певцу”. Но во все времена появлялись и в будущем появятся новые певцы. Это — закономерность. Во имя этого будущего и горел ярким, неугасающим огнем факел творчества Л. В. Собинова. Время — этот великий испытатель — определит значение Собинова в истории искусства, и люди с благодарностью вспомнят и назовут имена, среди которых его имя будет звучать как эпоха, в которой пафосом лирики и романтики воспевались все проявления общественной жизни, воспевалось минувшее, нынешнее и грядущее. * * * В творчестве Собинов был щедр! И хоть сам он говорил: “В Собинове — ничего особенного”,— все же сознавал, что он особенный и что пытаться подражать ему могли только по наивности и ограниченности, то есть могли только “манерничать” под Собинова. Многие люди были уверены, что Собинов счастлив, многие желали ему, чтобы он был счастлив. Но творческий человек может быть счастлив только при благодушии, а это ближайшая дорога к равнодушию... Нет! Он не был таким. Он был очень подвержен горестным размышлениям о том, что таланту нужно и что не нужно... Благодаря врожденному такту свои огорчения не взваливал на плечи друзей или общества: его видели улыбчивым и ласковым. Но в переживаниях сложной личности всегда чередуются радость и печаль. Незадолго до ухода из жизни он был просветленным в своих исканиях и в день своего юбилея на сцене Большого театра сказал: “Я свои паруса не сворачиваю!..” Его не волновала проблема, что “не долог срок на земле певцу”, волновало другое: как использовать лучше отпущенное человеку время, как осуществить намеченные творческие планы, как шире поделиться знаниями и опытом. “Полна, полна чудес могучая природа...” — эта фраза не раз звучала в устах Леонида Витальевича... И в наши дни Собинов жив. И жив не только потому, что искусство преемственно. Искренний, поэтический пафос Собинова убеждал, убеждает и будет убеждать. Внешнее, броское, подчас и талантливое, значительно быстрее меркнет, если не совсем исчезает из памяти. А вот то, что высоко звучало — большая мысль в этом звучании, — остается навсегда в памяти, в сердце, в сознании людей... По существу, Собинов и сегодня является как бы водоразделом в разговоре о том, какой должна быть опера в наши дни, какими путями должна развиваться... Опасность “видимости” в опере весьма очевидна, тогда как опера — это прежде всего пение, музыка… Леонид Витальевич писал стихи... Одно из стихотворений, “Цветы на снегу”, сын Собинова Борис положил на музыку. Те, кто знал Леонида Витальевича Собинова с благодарностью произносят: “Спасибо, что ты жил и творил среди нас!” А молодое поколение певцов с благоговением слушает чарующую музыку его голоса в уникальных записях, бережно сохраняемых для потомков... * * * В этом всегда приветливом человеке была большая радость жизни. Возвышенная патетика неизменно сопутствовала ему даже в дни немногочисленных, но неизбежных неудач. В его творчестве преобладал оптимизм. Радость творчества Собинова с необыкновенной силой воплотилась в огромном его репертуаре — в опере, в камерных концертах, в которых он так же, как и в опере, оставил глубокий след. В раннем периоде своей артистической карьеры Леонид Витальевич неоднократно бывал за границей, встречая и слушая больших музыкантов, дирижеров, певцов. И несмотря на это окружение он полностью сохранил свойственную только ему одному интерпретацию. Леонид Витальевич сохранил свою индивидуальность, утвердив свой неповторимый “собиновский” облик творчества. Значение Леонида Витальевича в искусстве огромно. Его исключительный талант вызывал восхищение советского народа. Советское правительство, высоко ценя Собинова, присвоило ему — одному из первых — звание народного артиста. Вспоминаю наши новогодние визиты к Леониду Витальевичу в “теноровом ключе”; все тенора приходили на квартиру Леонида Витальевича с новогодним поздравлением; молодежь поздравляет, благодарит за то, что он и подобные ему сохранили вокальное мастерство, борясь за него и оберегая от “загибов” в искусстве. Проходили эти встречи приятно, радостно, напоминая украинские “колядки”. Вспоминается такой случай: на спектакле оперы “Дубровский”, надевая костюм, я заметил на нем надпись “г. Собинов” — ответственность, взволнованность, радость и печаль испытал я... В костюме этом выступал Леонид Витальевич. Внимание Леонида Витальевича к молодым артистам, молодым певцам было огромным. Молодежь в свою очередь также окружала его теплотой и любовью. Юбилей тридцатипятилетней деятельности Леонида Витальевича (весной 1933 года) был праздником советского искусства, радостным праздником для народа, для слушателей, для которых жил и творил Леонид Витальевич, праздником для всего нашего театрального коллектива. Большой театр представлял феерическое зрелище. Живые цветы украшали всю громадную сцену. Представители всех театров, всех видов и жанров искусства пришли приветствовать Леонида Витальевича. Торжественность. Награждение правительством юбиляра. Поздравления. Делегации заводов. Делегация Красной Армии, встреченная восторженными приветствиями. Театрализованное приветствие: балет... мило пел. Артисты миманса исполняли в образах все партии, спетые Леонидом Витальевичем. Все тенора выстроились в ряд. Запевая в соло, пели в унисон “Страстью и негою сердце трепещет”. 14 октября 1934 года умер этот замечательный певец. Умер Собинов! Смерть застигла его на пути из Италии на родину. Леонид Витальевич умер в Риге от разрыва сердца. Я был в числе делегации, прибывшей на станцию Бигосово для встречи тела Леонида Витальевича. При переносе тела из заграничного вагона мы увидели наш вагон, любовно украшенный живыми цветами. Это сделала молодежь, живущая на станции Бигосово. Здесь же, на станции, все участники встречи — и артисты, и пограничники — тепло и прочувствованно говорили о замечательном артисте. Отмечали его большую любовь к родине, к русскому искусству. С первых же шагов следования поезда по советской земле ощущалась огромная любовь к Леониду Витальевичу. И ночью и днем поезд встречали делегации артистов и трудящихся. Делегация артистов Смоленского драматического театра пришла на рассвете с цветами и оркестром... Эти встречи были свидетельством народной любви к Собинову, выдающемуся русскому певцу. Свой оптимизм, свою глубокую веру в жизнь, с которыми не расставался Леонид Витальевич до последних своих минут, он отразил в написанных им в 1930 году стихах: “...Но честен был мой старый стяг, Людей я радовал улыбкой, И про меня расскажет всяк, Что пел я сладостною скрипкой”. Воистину это так! Радостным и одухотворенным остался для нас Леонид Витальевич. 1939, 1952, 1972
Соломон Хромченко Радость испытываешь оттого, что есть такие вокалисты, мастера, каким является Соломон Маркович Хромченко. Родился он в Киеве, на Подоле. Прошел трудный путь, трудную школу жизни. Окончил Московскую консерваторию по классу вокала у замечательного педагога, профессора Ксении Николаевны Дорлиак, которая сама прошла путь певицы. Сложное дело — педагогика по вокалу. Так было ранее, так это и в наши дни. Действительно, результат ее не имеет материализованного воплощения, поэтому предмет можно толковать любыми словесами. А существо ее как будто бы и простое — найти ключ к каждому. Тут и поиски диапазона, и окраски звука, и т. д. Оттого урок по вокалу очень труден. Если хотите, думаю, что легче спеть спектакль, чем провести одно занятие с поющими учащимися. Именно поэтому во всем мире педагоги по вокалу разные, не исключаются средние, даже самые “темные”, случайные люди, не определившиеся в профессиональном плане. Надо знать главное — научить петь по книгам, по рассказам невозможно, надо п о к а з ы в а т ь. Воспитание силы воли — цель и задача педагога. Это принесет огромную пользу начинающим петь. Надо п е т ь, а не кричать в единоборстве с оркестром и полнозвучным хором. И вот Соломон Хромченко, следуя своей профессии, поет. Ученик сам определяет свою позицию, свое звучание. Все эксперименты (например, с ложечкой, которой придерживают язык) могут быть необходимыми только на первых порах. Явилось ли к Хромченко его звуковедение под действием какой-то непостигаемой силы или его настроила и убедила Ксения Николаевна Дорлиак, но Соломон Маркович обладает собранным звуком, который прорезает перенасыщенное звучание оркестра в любом случае. Как не вспомнить при этом Антонину Васильевну Нежданову в конце первого акта “Лоэнгрина”, когда в оркестре и на сцене почти 300 человек, а ее голос в верхней тесситуре звучал над всеми, да как звучал! С. М. Хромченко пел в Большом театре весь репертуар, и не только лирического тенора. Какой он человек, товарищ! Приятный, отзывчивый и деликатный. Вел всегда большую общественную работу, никогда не жалуясь на то, что она мешает ему трудиться. Если мы говорим сегодня о певце Хромченко, то еще и потому, что проблема вокального искусства не вошла в берега постоянства. Наоборот, пение и учение пению уже 500 лет занимают умы тех, кто хочет создать свою систему и сделать ее обязательной. Это было бы ужасно. Сад благоуханно приятен и радостен, когда он разноцветия полон. В связи с вокальной проблемой как не вспомнить замечательных певцов, ушедших с профессиональной стези раньше времени. Трагедия в том, что они поверили в “наставления” некоторых современных толкователей оперы — сначала, мол, тема, потом звучание. И вот замечательная классическая певица, окончившая Московскую консерваторию с золотой медалью, Е. Кругликова, великолепная Татьяна, поет Лушку в “Поднятой целине”. Наставники требуют — “пойте, но не так, как Татьяну, ближе к правде!” Стремясь выполнить требуемое, Е. Кругликова спела так, как хотели. Результат? Лушка растаяла, но... покачнулась и Татьяна! Каждое искусство имеет свою форму. Палешане любую тему изображают присущим им почерком, балет — своим и т. д. А ведь именно к л а с с и ч е с к и м звучанием необходимо говорить о современности и о прошлом. А сегодня есть опасность, когда в одном и том же институте едва ли не один и тот же преподаватель учит петь в классическом и народном стиле. Так написано и на классных дверях. Что это? Охрана труда есть везде — строят ли дом, дорогу и т. д. В искусстве вокала охранительных мер по существу нет, хотя должны были бы быть. Уборка пыли — это еще далеко не все. Охрана в том, чтобы убрать перегрузку оркестровую, громогласие, где пение, по существу, лишь иллюстрирует действие на сцене, которое поглощает и максимум репетиционного времени. При чем же здесь Хромченко? Не скрою — меня тянет к обобщениям. Чрезвычайно важны личности, которые смогли сохранить звучание по сей день. Это очень важно. Их пример нуждается в изучении. Таков Соломон Маркович Хромченко. И это еще не все. Такие, как он, учат петь так, как учили их. Для тех, кто идет в искусство, это очень важно. Необходима преемственность. И у певца есть замечательные ученики. Гражданственность С. Хромченко весьма ощутима. Если посмотреть на цифры, отражающие количество спетых им концертов и спектаклей в шефском порядке, то они являются чрезвычайно убедительным свидетельством этого. Во время Великой Отечественной войны он вел огромную работу — выступал в содружестве с баритоном П. Селивановым, с басом С. Гоциридзе, с сопрано Е. Кругликовой перед частями Советской Армии. Вокальное искусство всегда было сложным. Много людей уходило преждевременно, и не их вина в этом. Если инструмент не всегда равномерно звучит, то такой инструмент, как человеческий голос,— подавно. Ранее при Большом театре существовала вокальная академия. Ее назначение было в том, чтобы помочь тем, кто чуть-чуть “покачнулся”. Это относилось не только к артистам Большого театра, но и к артистам других оперных театров. Сегодня существование такого вокального семинара необходимо, не обязательно в стенах Большого театра. |
